Der Creator als Asset: Deine Kreativität ist das Geschäftsmodell

Die Musikindustrie beginnt, mit KI-Unternehmen nicht mehr nur vor Gericht zu verhandeln, sondern Geschäftsmodelle zu entwickeln. Lizenzen werden abgeschlossen, neue Modelle mit lizenzierten Musikdaten trainiert und Plattformen geplant, auf denen Nutzer mit dem Katalog großer Rechteinhaber arbeiten können. Diese Woche hat das besonders deutlich gemacht.

Suno hat seine neue Modellgeneration v6 vorgestellt, die nach Angaben des Unternehmens unter anderem mit lizenzierten Inhalten von Warner Music Group, BMG und Believe entwickelt wurde. Gleichzeitig kündigte Suno weitere KI-Produkte an, bei denen Künstler teilnehmen und an den daraus entstehenden Einnahmen beteiligt werden sollen. Warner spricht bereits von einer neuen Form der „creation-based“ Vergütung: Künstler sollen nicht nur daran verdienen, dass ihre Musik gehört wird, sondern auch daran, dass sie Grundlage neuer Kreationen wird.

Nur einen Tag später folgte die nächste große Kooperation: Universal Music Group und ElevenLabs wollen eine KI-Musikplattform entwickeln, auf der Nutzer mit Musik teilnehmender Künstler Remixe, Mashups und neue Interpretationen erstellen können. Künstler sollen sich an diesem Modell beteiligen können. Das ist mehr als eine Reihe neuer Kooperationen. Es zeichnet sich ein neues Geschäftsmodell ab. Und in dessen Mittelpunkt steht eine Frage, die bisher erstaunlich wenig diskutiert wird: Welche Rolle spielt der Creator in diesem neuen System?

Vom Musiker zum Plattformnutzer

Die große Verheißung der generativen KI lautet zunächst: Musikproduktion wird demokratisiert. Wer keine teuren Studios besitzt, keine Band organisieren kann und vielleicht nicht einmal ein Instrument spielt, kann heute musikalische Ideen entwickeln und daraus fertige Produktionen machen. Das ist ohne Zweifel eine enorme kreative Chance.

Aber Demokratisierung bedeutet nicht automatisch Unabhängigkeit. Denn der Creator benötigt dafür zunehmend Plattformen. Er nutzt ein KI-Modell, bezahlt möglicherweise ein Abonnement, erzeugt damit Musik und veröffentlicht sie anschließend über einen Distributor. Die Plattform stellt die Technologie bereit, der Distributor übernimmt die Veröffentlichung, Streamingdienste liefern das Publikum und Rechteinhaber stellen zunehmend lizenzierte Kataloge zur Verfügung.

Der Musiker sitzt damit nicht mehr allein am Anfang der Wertschöpfungskette. Er befindet sich mitten in einer Kette von Unternehmen. Das muss nichts Schlechtes sein. Aber es verändert seine Position.

Der Creator bezahlt – und erzeugt gleichzeitig Wert

Genau hier wird es interessant. Ein klassisches Geschäftsmodell funktioniert relativ einfach: Ein Unternehmen verkauft ein Werkzeug. Der Kunde bezahlt dafür. Bei generativer KI ist die Beziehung komplexer. Der Creator bezahlt für das Werkzeug, nutzt es intensiv, erzeugt damit Inhalte und liefert durch seine Nutzung gleichzeitig wertvolle Informationen über das Produkt.

Welche Funktionen werden genutzt?

Welche Ergebnisse gefallen?

Welche Workflows funktionieren?

Welche Musik wird erzeugt?

Welche Inhalte werden veröffentlicht?

Die Plattform bekommt dadurch nicht nur einen zahlenden Kunden. Sie bekommt einen aktiven Teilnehmer ihres Ökosystems. Das ist kein Vorwurf gegen KI-Anbieter. Es ist zunächst eine Eigenschaft digitaler Plattformen. Aber für Creator ist es wichtig, diese ökonomische Beziehung zu verstehen. Der Nutzer ist nicht nur Kunde. Er ist gleichzeitig Teil der Wertschöpfung.

Werden die Ideen des Creators zum Asset?

Hier muss man genau unterscheiden. Es wäre falsch zu behaupten, dass KI-Unternehmen automatisch die Ideen oder Songs ihrer Nutzer übernehmen und anschließend vermarkten.

Ob und in welchem Umfang Eingaben, Prompts, Audiodateien, Outputs oder Nutzungsdaten für Produktentwicklung oder andere Zwecke verwendet werden dürfen, hängt von den jeweiligen Geschäftsbedingungen ab.

Die Frage ist „Welchen wirtschaftlichen Wert erzeugt meine Nutzung für die Plattform – und wie viel Kontrolle habe ich darüber?“

Ein Creator kann weiterhin Rechte an einem Werk besitzen und gleichzeitig wirtschaftlich von einer Plattform abhängig sein. Er kann seinen Song besitzen, aber für die Produktion auf ein bestimmtes KI-Modell angewiesen sein. Er kann seine Musik selbst veröffentlichen, aber für Sichtbarkeit auf Plattformen angewiesen sein. Und er kann seine kreative Arbeit selbst bestimmen, während die technische Infrastruktur, auf der sie entsteht, einem anderen Unternehmen gehört. Das ist die eigentliche Machtfrage.

Die Musikindustrie entdeckt den Wert der Kreation

Besonders interessant ist deshalb die Aussage von Warner Music. Warner-Chef Robert Kyncl bezeichnet die geplante Vergütung im Zusammenhang mit Suno als „creation-based“ Revenue. Künstler sollen damit eine neue Einnahmequelle erhalten, die bereits bei der Erzeugung neuer Musik ansetzt und nicht erst bei deren späterem Konsum. Das klingt zunächst nach einem großen Fortschritt. Und möglicherweise ist es das.

Denn bisher war das Geschäftsmodell der Musikindustrie überwiegend auf Konsum ausgerichtet: Ein Song wird gestreamt, gekauft, lizenziert oder öffentlich aufgeführt. KI erweitert dieses Modell. Musik kann nun gleichzeitig Rohstoff für neue Musik sein. Damit entsteht eine zusätzliche wirtschaftliche Ebene. Die Musikindustrie beginnt, nicht nur den Konsum von Musik zu monetarisieren, sondern auch deren Verwendung als kreativen Ausgangspunkt.

Das ist der entscheidende Paradigmenwechsel

Bisher wurde häufig darüber diskutiert, ob KI Musik „kopiert“. Jetzt entsteht ein Modell, bei dem die Industrie sagt: Wenn KI unsere Musik nutzt, dann soll diese Nutzung lizenziert und bezahlt werden. Das ist aus Sicht der Rechteinhaber vollkommen nachvollziehbar.

Und es ist vermutlich wesentlich nachhaltiger als der Versuch, generative KI grundsätzlich aufzuhalten. Aber es führt zu einer neuen Machtstruktur. Denn wer die Rechte an den Ausgangsdaten kontrolliert, kontrolliert einen wichtigen Teil der Infrastruktur. Wer die KI kontrolliert, kontrolliert den kreativen Zugang. Und wer die Plattform kontrolliert, kontrolliert den Zugang zum Nutzer.

Universal und ElevenLabs zeigen, wohin die Reise gehen könnte

Die neue Kooperation zwischen Universal und ElevenLabs macht diese Entwicklung besonders deutlich. Die geplante Plattform soll Nutzern ermöglichen, mit Musik teilnehmender Künstler zu arbeiten – unter anderem durch Remixe, Mashups, neue Interpretationen und personalisierte Gesangserlebnisse. Gleichzeitig sollen Künstler und Songwriter an der geschaffenen Wertschöpfung beteiligt werden. UMG

Damit entsteht eine interessante Konstruktion: Der Katalog des Labels wird zum Ausgangsmaterial für neue kreative Erfahrungen.

Der Fan oder Creator erzeugt daraus neue Inhalte. Die Plattform stellt die Technologie bereit.

Und der Rechteinhaber verdient an der Nutzung seines Katalogs. Das ist ein plausibles Geschäftsmodell. Aber es stellt eine weitere Frage: Wer kontrolliert die Regeln dieses kreativen Raums?

Der Creator wird nicht enteignet – aber er könnte abhängig werden

Das ist ein wichtiger Unterschied. Die Diskussion über KI wird häufig sehr binär geführt: Entweder der Künstler gewinnt. Oder die KI ersetzt ihn. Die tatsächliche Entwicklung könnte viel komplizierter sein. Der Künstler bleibt möglicherweise Eigentümer seiner Werke.

Er bekommt sogar neue Werkzeuge und neue Einnahmequellen. Aber gleichzeitig wird er stärker von Plattformen abhängig. Das wäre keine Enteignung. Es wäre eine Abhängigkeit von Infrastruktur. Und diese Form der Abhängigkeit kennen wir bereits aus anderen Bereichen der digitalen Wirtschaft.

Wer auf einer Plattform arbeitet, ist darauf angewiesen, dass die Plattform ihre Regeln nicht grundlegend verändert. Das gilt für Musiker genauso wie für Fotografen, Videoproduzenten oder Influencer. KI könnte diese Abhängigkeit noch eine Stufe weiterführen, weil die Plattform nicht nur die Distribution kontrolliert. Sie kontrolliert zunehmend auch die Produktion.

Wenn Produktion und Distribution zusammenwachsen

Das könnte langfristig der entscheidende Punkt werden. Stell dir einen Creator vor, der seine Musik vollständig innerhalb eines Ökosystems produziert. Er entwickelt eine Idee. Die KI erzeugt daraus einen Song. Die Plattform stellt Stimme und Instrumente bereit.

Der Song wird dort bearbeitet. Anschließend wird er über einen integrierten Distributor veröffentlicht. Vielleicht folgt noch Promotion innerhalb derselben Plattform.

Und schließlich wird die Nutzung monetarisiert. Für den Creator ist das bequem. Extrem bequem.

Aber mit jedem Schritt wird ein weiterer Teil seiner Wertschöpfung innerhalb desselben Ökosystems abgewickelt. Das spart Arbeit – und erhöht gleichzeitig die Abhängigkeit.

Genau hier liegt die eigentliche Gefahr

Die Gefahr besteht deshalb nicht darin, dass die Musikindustrie den KI-Musiker plötzlich „besitzt“. Dafür gibt es keinen Grund. Die Gefahr besteht darin, dass der Creator irgendwann kaum noch Alternativen hat. Wenn eine Plattform das beste Modell besitzt, die besten Stimmen anbietet, Zugang zu den interessantesten Katalogen ermöglicht, Distribution integriert und gleichzeitig die Monetarisierung übernimmt, wird ein Wechsel zunehmend schwierig.

Dann entsteht ein Lock-in. Nicht unbedingt rechtlich. Sondern wirtschaftlich. Der Creator kann theoretisch gehen. Aber praktisch verliert er dabei Werkzeuge, Reichweite, Workflows oder Einnahmemöglichkeiten.

Und hier wird die GEMA plötzlich interessant

Genau an diesem Punkt bekommt die Diskussion über die GEMA und PLAI eine neue Dimension. Die GEMA baut mit PLAI eine lizenzierte Infrastruktur für Musikdaten auf. Der erste Datensatz umfasst nach Angaben der GEMA rund 178.000 Soundfiles aus mehr als 60 Genres. Das Modell soll KI-Unternehmen Zugang zu rechtssicher lizenzierten Musikdaten ermöglichen.

Das ist zunächst vor allem ein Angebot an Unternehmen. Aber langfristig könnte daraus etwas viel Größeres entstehen: eine unabhängige Rechteebene zwischen Creator und Plattform. Das wäre aus Sicht der Musiker interessant. Denn wenn jeder KI-Anbieter sein eigenes Rechteuniversum aufbaut, entstehen möglicherweise viele geschlossene Systeme.

Suno hat seine Regeln. ElevenLabs hat seine Regeln. Andere Plattformen werden ihre eigenen Modelle entwickeln. Und jeder Anbieter könnte versuchen, den Creator möglichst lange im eigenen Ökosystem zu halten. Eine neutrale Rechteinfrastruktur könnte dagegen dafür sorgen, dass Rechte nicht an eine einzelne Plattform gebunden sind.

Die GEMA könnte dann zum Gegengewicht werden

Das wäre meiner Meinung nach die spannendste Zukunftsrolle der GEMA. Nicht einfach: „Wir lizenzieren Musik für KI.“ Sondern: „Wir sorgen dafür, dass Rechte auch in einer Welt funktionieren, in der Musik auf hundert verschiedenen KI-Plattformen verarbeitet wird.“

Das wäre etwas grundsätzlich anderes. Eine solche Infrastruktur könnte im besten Fall dafür sorgen, dass ein Creator nicht jedes Mal ein komplett neues Rechte- und Vergütungssystem verstehen muss, wenn er eine neue Plattform ausprobiert. Die Rechte würden mit dem Werk verbunden bleiben.

Die Beteiligungen wären nachvollziehbar. Die Vergütung könnte unabhängig von der jeweiligen Plattform abgewickelt werden. Und der Creator könnte seine Rechte mitnehmen. Das wäre tatsächlich eine Art API für die Musikrechte.

Aber auch die GEMA darf dabei nicht zum neuen Gatekeeper werden

Damit kommt die zweite Hälfte der Geschichte. Eine zentrale Rechteinfrastruktur ist nur dann im Interesse der Creator, wenn sie transparent funktioniert. Denn sonst würde lediglich ein Gatekeeper durch einen anderen ersetzt. Dann wäre der Creator zwar nicht mehr von einzelnen KI-Plattformen abhängig, aber von einer großen Rechteorganisation.

Deshalb werden für die Zukunft andere Fragen entscheidend:

Wer entscheidet über die Lizenzbedingungen?

Wie können Creator ihre Rechte verw werden Einnahmen verteilt?

Wie werden kleine Kataloge behandelt?

Wie transparent sind die Abrechnungen?

Wie können Creator ihre Rechte verwalten?

Und vor allem: Wie viel kostet diese Infrastruktur denjenigen, deren Rechte sie eigentlich schützen soll?

Der kleine Creator hat dabei ein besonderes Problem

Für große Rechteinhaber kann die Entwicklung sehr attraktiv sein. Ein großer Katalog kann in vielen verschiedenen KI-Anwendungen lizenziert werden. Bei Millionen oder Milliarden von Nutzungen können auch kleine Beteiligungen relevant werden.

Für einen kleinen Creator sieht die Rechnung anders aus. Wenn er zehn, zwanzig oder fünfzig Werke besitzt und damit nur geringe Einnahmen erzielt, kann eine immer komplexere Rechteverwaltung schnell unverhältnismäßig wirken. Genau deshalb reicht es nicht, dass die Musikindustrie insgesamt mehr Geld mit KI verdient.

Entscheidend ist, ob der zusätzliche Wert tatsächlich bis zum einzelnen Creator durchgereicht wird. Sonst entsteht ein paradoxes Ergebnis: Die Musikindustrie verdient mehr an KI – während der einzelne KI-Musiker kaum besser dasteht.

Der Creator als Asset

Damit lässt sich auch der provokante Begriff „Asset“ besser einordnen. Der Creator wird nicht unbedingt zum Eigentum der Musikindustrie. Aber seine Aktivität besitzt wirtschaftlichen Wert. Seine Kreativität erzeugt Inhalte. Seine Nutzung erzeugt Daten.

Seine Abonnements erzeugen Umsatz.

Seine Veröffentlichungen erzeugen Aufmerksamkeit.

Seine Community erzeugt Reichweite.

Und seine Werke können wiederum neue Nutzungen und Lizenzgeschäfte ermöglichen. Der Creator ist damit Teil einer Wertschöpfungskette, die größer ist als sein einzelner Song. Das ist nicht grundsätzlich problematisch. Schließlich profitieren auch Creator von dieser Wertschöpfung. Problematisch wird es dort, wo die Verteilung nicht mehr transparent ist.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht: Wer verdient?

Sondern: Wer verdient woran? Wenn ein KI-Musiker ein Werkzeug bezahlt und damit einen erfolgreichen Song produziert, verdienen möglicherweise mehrere Parteien:

Der KI-Anbieter.

Der Rechteinhaber der verwendeten Trainings- oder Ausgangsdaten.

Der Distributor.

Die Streamingplattform.

Eventuell weitere Lizenzpartner.

Und natürlich der Creator.

Das ist vollkommen legitim, solange jeder Beitrag nachvollziehbar ist. Aber je länger die Wertschöpfungskette wird, desto wichtiger wird Transparenz. Der Creator muss wissen können, welchen Wert er erzeugt und welchen Anteil er daran erhält.

Die neue Musikindustrie könnte deshalb größer sein als die alte

Das ist vielleicht die überraschendste Entwicklung. KI muss die Musikindustrie nicht kleiner machen. Sie könnte sie sogar vergrößern.

Neue Lizenzen entstehen.

Neue Plattformen entstehen.

Neue Produktionswerkzeuge entstehen.

Neue Formen der Fan-Interaktion entstehen.

Neue Einnahmequellen entstehen.

Universal und ElevenLabs sprechen ausdrücklich von neuen kommerziellen Möglichkeiten für Künstler und Fans. Suno und Warner sprechen von neuen Einnahmen aus der kreativen Nutzung von Musik. Die Musikindustrie könnte damit mehr Bereiche der musikalischen Wertschöpfung monetarisieren als jemals zuvor.

Und genau deshalb sollte der Creator genauer hinsehen. Denn je größer der Markt wird, desto größer wird auch sein wirtschaftlicher Wert für die Unternehmen, die diesen Markt kontrollieren.

Der KI-Musiker sollte deshalb nicht nur fragen: „Was kann die KI?“

Die spannendere Frage lautet: „Wem gehört die Infrastruktur, auf der ich meine Musik produziere?“

Und danach:

„Welche Daten erzeuge ich dabei?“

„Welche Rechte behalte ich?“

„Wer verdient an meiner Nutzung?“

„Kann ich meine Werke und Rechte problemlos zu einer anderen Plattform mitnehmen?“

Und: „Was passiert, wenn die Plattform morgen ihre Geschäftsbedingungen ändert?“

Das sind keine theoretischen Fragen mehr. Sie werden Teil der Realität der KI-Musik.

Fazit: Der Creator sollte nicht zum Rohstoff werden

Die größte Gefahr für den KI-Musiker ist wahrscheinlich nicht, dass ihm morgen jemand seine Musik wegnimmt. Die größere Gefahr ist subtiler. Dass seine kreative Arbeit, seine Nutzung, seine Daten und seine Aufmerksamkeit zu Bausteinen eines Ökosystems werden, dessen wirtschaftliche Regeln andere bestimmen.

Der Creator wird dann nicht enteignet. Er wird eingebunden. Und genau das kann wirtschaftlich sogar sehr attraktiv sein. Aber nur dann, wenn er nicht am Ende derjenige ist, der für die Infrastruktur bezahlt, die mit seiner eigenen Kreativität Geld verdient.

Die kommenden Jahre werden deshalb eine entscheidende Frage beantworten müssen: Wird KI den Musiker unabhängiger machen – oder nur neue Abhängigkeiten schaffen? Die Antwort hängt nicht allein von der Qualität der Modelle ab. Sie hängt davon ab, ob Creator ihre Rechte, ihre Daten und ihre wirtschaftliche Identität auch außerhalb einzelner Plattformen behalten können. Vielleicht ist das deshalb die wichtigste Aufgabe einer modernen Rechteorganisation wie der GEMA: Nicht den Creator an eine weitere Plattform zu binden. Sondern dafür zu sorgen, dass er keiner einzelnen Plattform gehören muss.

Denn die Zukunft der KI-Musik wird nicht nur davon bestimmt werden, wer die beste KI baut. Sie wird davon bestimmt werden, wer den Zugang zur Musik kontrolliert – und wer am Ende an der Kreativität verdient.

Am Ende bleibt eine einfache Wahrheit: Kreativität ist der Treibstoff dieses Systems – und der Creator sollte wissen, wer daran verdient.